"Shame", de Steve McQueen

Não se engane pelo nome do diretor: este não é um filme dirigido pela estrela dos filmes de ação como "Bullit", "A Torre do Inferno" e "Papillon", até porque Steve Mcqueen, o ator, bem, ele morreu em 1980. O McQueen diretor de "Shame" (sem título no Brasil, ainda) é, na verdade, um britânico de 40 e poucos anos, que começou como artista plástico e decidiu se aventurar no cinema pela primeira vez em 2008, com o excelente "Fome", também estrelado por Michael Fassbender (o Magneto de "X-Men: Primeira Classe"). Dessa vez, narra o drama de um homem viciado em sexo, e sua relação (não-sexual, bom avisar) com a irmã, interpretada por Carey Mulligan (indicada ao Oscar de melhor atriz por "Educação", e muito elogiada por outros filmes como "Drive" - já comentado aqui no blog e "Não Me Abandone Jamais"). O filme gerou muita polêmica, por cenas de sexo explícito e nudez frontal, recebendo inclusive censura de NC-17, a máxima permitida para um filme entrar nos cinemas tradicionais), mas não por isso deixou de ser extremamente premiado, em especial pela atuação de Fassbender (melhor ator no Festival de Veneza) e aparecendo em diversas listas de melhores filmes de 2011. No Brasil, está programado para estrear em 2 de Março. Veja o trailer, logo abaixo:

"A Invenção de Hugo Cabret", de Martin Scorsese

Entre a produção de uma série de TV (o sucesso Boardwalk Empire) e a direção de mais um documentário de música (Living in the Material World, sobre o beatle George Harrison), Martin Scorsese decidiu elaborar talvez o projeto mais inusitado de sua carreira: uma adaptação de um livro infantil, feita, ainda por cima, em 3D. O filme narra a história de um garoto de 12 anos, que descobre uma invenção de seu falecido pai, um pequeno robô, que aguarda ser ligado para escrever uma mensagem. O trailer me deixou cético: parecia um filme do Chris Columbus, ou então um muito ruim do Spielberg. Entretanto, à medida que o filme foi sendo exibido e recebido elogios animadores, que situavam Hugo Cabret como uma espécie de homenagem ao cinema (ou seja, mais do que simplesmente um filme que Scorsese fez para que sua filha pudesse ver). Um dos personagens do longa, vivido por Ben Kingsley, é Georges Mélies (sim, o lendário diretor de Viagem à Lua), por exemplo (e, pelo trailer, pode-se notar uma breve homenagem ao "A Chegada do Trem à Estação Ciotat", clássico dos Irmãos Lumiére, e primeiro filme a ter exibição pública). Além disso tudo, Scorsese, mesmo tendo feito seus erros nos últimos anos, sempre traz algum material que vale a pena ser visto. Na maioria dos países o filme já estreou, mas no Brasil a estreia está marcada para o dia 17 de fevereiro.

Veja o trailer

"O Espião que Sabia Demais", de Tomas Alfredson

O título em português parece saído de alguma comédia com o Leslie Nielsen, mas "O Espião que Sabia Demais" (em inglês, é "Tinker, Tailor, Soldier, Spy") tem bons motivos para ser visto: é o primeiro projeto de Tomas Alfredson fora da Suécia, diretor que antes havia feito o aclamado "Deixe Ela Entrar", e sua estreia em Hollywood, de acordo com a crítica internacional e pelas cenas que já vi, parece que fará jus ao seu estilo. É baseado em uma novela de John Le Carré e acompanha a trajetória de George Smiley (personagem recorrente nos romances do escritor) ao tentar descobrir quem é o traidor dentro do Serviço Secreto. Gary Oldman interpreta Smiley, e o resto do elenco é composto por Colin Firth, John Hurt, entre outros. Veja o trailer:

"Documentário" (1966), de Rogério Sganzerla

Rogério Sganzerla foi um dos maiores cineastas brasileiros (e, pessoalmente, o meu favorito), idealizando o chamado "Cinema Marginal", juntamente com outros nomes de prestígio, como Andrea Tonacci (diretor do espectaular "Bang Bang") e Ozualdo Candeias (de "A Margem"). Realizador de obras como "O Bandido da Luz Vermelha", "Copacabana Mon Amour" e "Sem Essa, Aranha", Sganzerla infelizmente faleceu precocemente, em 2004, aos 58 anos, vítima de um tumor no cérebro. O cinema de Sganzerla sempre privilegiou uma espécie de estética da inquietude do subdesenvolvimento, de cunho iconoclasta e à frente de seu tempo. Ao mesmo tempo realizava ferrenhas críticas às mazelas sociais tupiniquins, exaltava uma espécie de retorno ao "espírito" brasileiro, mas um retorno antropofágico, nos moldes de um Oswald de Andrade (talvez a maior inspiração de Sganzerla, juntamente com Orson Welles). Era (na verdade, "é", pois, se o criador se vai, a arte fica) um cinema da sujeira e do caos urbano, da "boca do lixo", mas também da extrema experimentação com a linguagem cinematográfica. Um diretor que não só possuia o talento de fazer filmes, como também o desejo.

Falando um pouco mais do curta, "Documentário" foi seu primeiro trabalho atrás das câmeras, realizado em 1966, quando tinha apenas 20 anos (seu primeiro longa, "O Bandido...", seria realizado apenas dois anos depois, aos 22 - um garoto-prodígio, que veio a se tornar mestre). Narra, em 10 minutos, a tarde de dois jovens ociosos no centro de São Paulo, tentando decidir o que fazer ("Precisamos salvar a tarde. Mulher não dá pra pegar, beber cê não tem dinheiro"); falam sobre cinema, fumam, e a trilha sonora de barulho dos carros, que permeiam o cenário. Fica a promessa: "da próxima vez vou fazer tudo diferente".

Está disponível no you tube:

O Artista, de Michel Hazanavicius

Um dos filmes mais elogiado da temporada, O Artista vem aparecendo com sucesso nas maiores premiações do momento e em listas de melhores do ano, tendo sido vencedor, por exemplo, do prêmio de Melhor Ator (para o extremamente elogiado Jean Dujardin) no Festival de Cannes. O elenco e o diretor (o francês Michel Hazanavicius) são, em sua maioria, desconhecidos, mas é um filme com uma proposta ousada: fazer um filme mudo (ou quase isso - não sei se o filme realmente não possui diálogos, mas certamente são raríssimos) em pleno século XXI (contando ainda com Preto & Branco e formato de tela 1.33, típico da época). Conta uma história que se passa em 1927, ou seja, período de transição do cinema mudo para o cinema falado, narrando as preocupações de um astro da época e seus envolvimentos amorosos. Certamente é algo que deve ser no mínimo muito curioso. Deve aportar nos cinemas brasileiros no começo do ano que em breve chegará.

Veja o trailer: http://www.youtube.com/watch?v=OK7pfLlsUQM

Um Pouco Sobre Ryan Larkin

Ryan Larkin tem uma história curiosa: foi "pupilo" de Norman McLaren (curta-metragista experimental e um dos grandes nomes da animação mundial) na National Film Board of Canada, realizando seu primeiro curta em 1965, o ótimo Syrinx (sobre o qual falarei em parágrafos posteriores), quando tinha apenas 22 anos idade, concorrendo ao Oscar quatro anos mais tarde pela primeira vez, com o genial Walking. Em 72, fez inda mais um filme Street Musique, e que foi sua despedida. A partir daí, a carreira de Larkin entrou por água abaixo: largou a NFBC e rendeu-se ao vício do álcool e da cocaína, chegando até mesmo a viver como um sem-teto nas ruas de Montreal.



Em 2004, o outrora promissor animador foi resgatado, se tornando material para um curta-metragem dirigido por Chris Landreth que ganhou bastante repercursão ao vencer o Oscar de Melhor Animação. Todos aqui se apresentam como personagens desfigurados, fazendo quase um retrato da mente degenerada de Larkin. Ao invés de adotar um tom sentimentalista ou sensacionalista, Landreth opta por um caminho menos convencional e previsível (algo que me parece ser típico do cineasta, pelo que pude ver em seus trabalhos anteriores) para se fazer uma biografia, sendo uma obra extremamente criativa e visualmente forte, mas nunca renegando o conteúdo. Um filme que certamente receberia o selo de aprovação por parte de Ryan Larkin.

Quanto à filmografia de Larkin, pude conferir dois de seus curtas, como afirmei no primeiro parágrafo. O primeiro deles, Syrinx, tem seu ponto de partida na mitologia grega; Syrinx representa uma ninfa conhecida pela sua castidade, desejada pelo Deus Grego Pã, e todo o restante da história podemos acompanhar através de imagens inicialmente abstratas, mas que após algum tempo acabam por ganhar formas, em uma atmosfera onírica reforçada pela música de Claude Debussy. O outro, Walking, tem uma idéia simples, mas uma execução que impressiona. Na época, Larkin foi taxado de o "George Harrison ou o Frank Zappa da Animação", o que não me surpreende tanto, já que Walking carrega bastante a psicodelia do período, realçada pela ótima trilha sonora, mostrando os corpos dos personagens em constantes transformações (assim como a própria época em que foi feito), seja em tamanho ou em cores (o próprio "protagonista" tem rosto e corpo indefinidos, em constante mudança).

"Syrinx" (1966) http://www.youtube.com/watch?v=s-rTuq6O9SM

"Walking" (1968) http://www.youtube.com/watch?v=KpE_ETl0S58

"O Homem que Não Amava as Mulheres", de David Fincher

Este é o novo trabalho do cineasta David Fincher, mais conhecido pela autoria de filmes como Clube da Luta e A Rede Social. Baseado num dos livros que compõe a trilogia "Millenium", do escritor sueco Stieg Larsson, "The Girl with teh Dragon Tattoo" (que inclusive já recebeu uma versão cinematográfica, também sueca, chamada "O Homem que Não Amava as Mulheres", mas bom ressaltar que o filme de Fincher é uma nova adaptação, não uma refilmagem), e conta a história do súbito desaparecimento de uma herdeira, nunca resolvido pelas autoridades investigativas, mas chama a atenção de um jornalista (vivido por Daniel Craig, o atual James Bond), que resolve investigar a situação por conta própria.

Fincher já se arriscou no passado com o cinema de gênero (no caso, o filme policial) e isso rendeu o brilhante "Zodíaco". É de se esperar que "O Homem que Não Amava as Mulheres" esteja no mesmo nível. O excelente trailer pode ser visto logo abaixo (e, na trilha, conta com uma versão muito boa pra "Immigrant Song", do Led Zeppelin, feita pelo Trent Reznor - o homem por trás do projeto Nine Inch Nails, e que realizou a ótima trilha do A Rede Social - e a Karen O, vocalista da banda de indie rock Yeah Yeah Yeahs) e o filme tem previsão de estreia para o fim de janeiro de 2012, no Brasil.